Les expérimentations techniques sont au cœur de nombreux films de Raoul Ruiz, car il aimait faire des jeux d'images comme on fait des jeux de mots. Nombre de ses films ont été tournés avec des budgets souvent dérisoires, parfois avec des chutes de pellicule, une caméra prêtée et le concours bénévole d'amis acteurs et techniciens. Sur le plan technique, cette utilisation des trucages directs correspond à une méthode que Ruiz ne cessera d'explorer.

Table ronde avec Laurence Couturier (scripte), Sylvie Gadmer (monteuse), Charles Jodoin-Keaton (scripte), Bénédicte de Kermadec (scripte), Aurore Moutier (scripte) et Marie-Florence Roncayolo (scripte et documentaliste audiovisuelle), animée par Joël Daire et Lauren Benoît.

Conférence de Joël Daire et Lauren Benoît donnée à l'occasion de l'exposition Le métier de scripte à la Cinémathèque française.

De tous les mouvements de renouveau du cinéma ayant émergé à la fin des années 1950 et 1960, le Free Cinema (et, par extension, la Nouvelle Vague britannique) n'est peut-être pas le plus connu, mais garde le bénéfice de l'antériorité. Dès février 1956, un petit groupe de jeunes réalisateurs et techniciens emmenés par Lindsay Anderson propose une vision nouvelle de la technique et du métier de cinéaste. Leurs films – des courts métrages documentaires jusqu'en 1959, des longs métrages de fiction ensuite – mettent en scène le quotidien des petites gens, qu'ils filment avec un regard humain et poétique. Christophe Dupin, historien du cinéma, examine les origines et l'évolution de ce mouvement, ainsi que ses méthodes de production et son esthétique propre, définie à la fois par l'engagement social et les moyens techniques. Walter Lassally, l'un des chefs opérateurs attitrés du Free Cinema, en analyse plus particulièrement les apports techniques, notamment l'utilisation de caméras légères portées et d'une pellicule ultra-sensible (la fameuse Ilford HPS).

La collection des dessins de la Cinémathèque française est l'une des plus riches au monde, avec ses fonds de décorateurs russes (Ivan Lochakoff, Paul Minime, Boris Bilinsky), allemands (Hermann Warm, Emil Hasler, Rochus Gliese, Erich Kettelhut) et bien sûr français (Lazare Meerson, Alexandre Trauner, André Andrejew, Max Douy, Serge Pimenoff, René Renoux, Léon Barsacq). Les maquettes de décors peuvent être également des maquettes en trois dimensions, « petits théâtres » signés Jacques Saulnier ou Pierre Guffroy. Parmi la nouvelle génération, Jean-Marc Kerdelhué, Thierry Flamand, Jean Rabasse, Anne Seibel perpétuent la tradition des « architectes du rêve ».

Alors que certains réalisateurs issus de la Nouvelle Vague ont développé une relation parfois passionnelle avec la technique (Godard en est l'exemple le plus fameux), qu'en est-il de Truffaut ? Quel a été son rapport à la lumière, à la prise de vues, au montage ?

Conférence de Jean-Pierre Verscheure. Le 70 mm représente sans nul doute le plus bel héritage de toute l'histoire du cinéma argentique. C'est le plus beau de tous les formats de pellicule et son histoire remonte aux origines des premiers temps du cinéma. Les multiples variantes qui ont jalonné son histoire (formats d'image, systèmes sonores) ne facilitent pas le travail des restaurateurs et historiens. Cette conférence a pour objectif de retracer l'histoire de ce format.