Concluimos el doble monográfico registrado en los estudios de Radio Fontana Mix, la emisora de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca (UCLM), y dedicado monográficamente al artista e investigador Javier Ariza, nacido en 1968 en Alagón (Zaragoza). Radio Fontana Mix, un proyecto pionero en nuestro país —al ser la primera estación de radio vinculada a una facultad de Bellas Artes— inició sus emisiones en FM en 1994 como resultado de una ambiciosa iniciativa del también artista e investigador José Antonio Sarmiento, responsable de la incorporación de los estudios sobre arte sonoro en la universidad española y de la creación del Centro de Creación Experimental.

Javier Ariza fue uno de los primeros estudiantes que pudo disfrutar de todas estas posibilidades y plataformas como alumno de la Universidad de Castilla-La Mancha, donde después ha desarrollado su labor como investigador y profesor (ahora con la complicidad de Pepe Murciego, a quien extendemos nuestro agradecimiento por hacer posible estos programas). A lo largo de esta conversación, Ariza sitúa el sonido como materia plástica (susceptible de edición, montaje y conceptualización), y presenta una constelación de piezas centradas en la radio como objeto, espacio social y metáfora.

Iniciamos esta segunda parte del doble monográfico retomando la escucha de "La fuerza de la razón", una temprana obra estéreo de Ariza concebida para ser reproducida en bucle y mediante auriculares que fue incluida en el nº 1 de RAS —Revista de Arte Sonoro—, otra excepcional iniciativa de José Antonio Sarmiento, publicada en formato CD e iniciada en 1996. Esta audición nos permite reflexionar acerca la presencia actual del arte sonoro en los estudios de Bellas Artes en el ámbito de las Bellas Artes, y su evolución desde aquellos orígenes que Ariza conoció de primera mano —junto a otros compañeros, como el artista e investigador Kepa Landa— a finales del siglo pasado.

Seguidamente, Ariza presenta un proyecto muy reciente, de carácter colaborativo, titulado "Un ruido secreto" y basado en microemisores FM de baja potencia, donde varias transmisiones compiten en el espacio (evocando algunos pasajes del manifiesto futurista de "La Radia", firmado por Filippo Tommaso Marinetti y Pino Masnata) y hacen audible —de nuevo— la imposibilidad de domesticar el sonido. El análisis de este trabajo propicia que Ariza comparta sus perspectivas respecto al uso colectivo del espacio radiofónico, así como su defensa de las radios libres (también denominadas, desde ciertas posiciones, "radios piratas"), y su visión de fenómenos recientes como el "videopodcasting". La emisora está contenida en una caja de madera que la oculta: el pequeño tamaño de la caja y su escaso peso facilitan una ubicación portátil, nómada. Y su rango de emisión es tan limitado (unas decenas de metros) como intencionado.

Los últimos trabajos de Javier Ariza que comentamos en este doble monográfico reflexionan sobre el poder de reminiscencia que presentan determinados objetos obsolescentes. Interpretados como alegorías de la memoria sonora parcialmente transferida en materia física, estas obras —incluidas en series como "Sonografías" y "Paleofonografías"— remiten a la idea de un tiempo pasado cuya indeterminada evocación es susceptible de surgir a través de la contemplación de las imágenes que, a modo de particulares fósiles, sugieren las superficies pétreas. Se ofrecen, en definitiva, como pequeños indicios de una memoria individual, pero también colectiva, de sonidos extintos transmutados en enigmática imagen con voluntad de ser preservada. 

El final de la conversación con Ariza aborda, desde el momento actual, el análisis de una publicación tan temprana como sin duda fue "Las imágenes del sonido: una lectura plurisensorial en el arte del siglo XX", un ensayo aparecido originalmente en 2003, pero que conoció una segunda edición, revisada, en 2008. La valoración retrospectiva de este libro por parte de nuestro protagonista —que también es un juicio acerca de la evolución de todo ese campo de trabajo que continuamos denominando, a falta de mejor expresión, "arte sonoro"— se ubica, además, en un momento caracterizado por la reciente (o, en su caso, inminente) jubilación de figuras tan relevantes en el plano académico como las de José Antonio Sarmiento, Miguel Molina y Mikel Arce. 

Iniciamos un doble programa monográfico registrado en los estudios de Radio Fontana Mix, la emisora de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca (Universidad de Castilla-La Mancha), y dedicado monográficamente al artista e investigador Javier Ariza, nacido en 1968 en Alagón (Zaragoza). En ese municipio de la Ribera Alta del Ebro tuvieron lugar sus primeras —y muy tempranas— experiencias con la radio, según nos traslada nuestro protagonista en una conversación que gira, precisamente, en torno a la radio, pues este medio ha centrado buena parte de su labor creativa, así como de su actividad académica.

Radio Fontana Mix, un proyecto pionero en nuestro país —al ser la primera estación de radio vinculada a una facultad de Bellas Artes— inició sus emisiones en FM en 1994 como resultado de una ambiciosa iniciativa del también artista e investigador José Antonio Sarmiento, responsable de la incorporación de los estudios sobre arte sonoro en la universidad española y de la creación del Centro de Creación Experimental. Javier Ariza fue uno de los primeros estudiantes (junto, por ejemplo, al también artista e investigador Kepa Landa) que pudo disfrutar de todas estas posibilidades y plataformas como alumno de Bellas Artes en la UCLM, donde después ha desarrollado su labor como investigador y profesor (ahora con la complicidad de Pepe Murciego, a quien extendemos nuestro agradecimiento por hacer posibles estos programas).

A lo largo de esta conversación, Ariza sitúa el sonido como materia plástica (susceptible de edición, montaje y conceptualización), y presenta una constelación de piezas centradas en la radio como objeto, espacio social y metáfora. Así, en "Radio Interferencias" trabaja con los intersticios del dial: ruidos, ondas espurias, tormentas eléctricas y restos de señal que, por repetición y modulación, se convierten en ritmo y forma. Por otra parte, la pieza titulada "Sound Object" aborda, desde una crítica del valor crematístico del arte, un dispositivo rodante hecho de monedas cuyo pulso se degrada y se hace cada vez más enigmático. "Low Level", a continuación, se construye como una ficción radiofónica bilingüe (francés/español) aparentemente "normal", pero contaminada por conversaciones telefónicas filtradas: una dramaturgia de la interferencia semántica que convierte al oyente en "voyeur auditivo" y le devuelve la pregunta por su responsabilidad en la escucha.

Cerramos esta primera parte del doble monográfico con la escucha de "La fuerza de la razón", una temprana obra estéreo de Ariza incluida en el nº 1 de RAS (la Revista de Arte Sonoro, otra excepcional iniciativa de José Antonio Sarmiento, publicada en formato CD e iniciada en 1996), concebida para ser reproducida en bucle y mediante auriculares: dos canales discuten enconadamente la misma opinión, hasta convertir el lenguaje en textura, insistencia y desgaste.

En la primera edición de Ars Sonora del año 2026 queremos recordar a algunos creadoras y creadores que nos dejaron a lo largo los últimos doce meses. Este homenaje, que avanza de manera cronológica a través de 2025, incluye las siguientes audiciones: Miguel A. García: "Suge gorria"; Diane Thome: "Anais"; Sofiya Gubaidulina: "Vivente-Non_Vivente"; Pierre Mariétan: "Rose Des Vents"; Peter Ablinger: "Weiss Weisslich"; Yasunao Tone: "Clapping Piece"; Per Nørgård: "From The Ever More Distant Stars"; Sven-Åke Johansson: "Trilogie für Windgeneratoren"; Daniel Lentz: "Lascaux"; Hermeto Pascoal: "Brasil Universo"; Dieter Kaufmann: "Symphonie Acousmatique"; David Ball: "Hypodermic"; Alison Knowles: "Bean Sequences"; Jean-Claude Éloy: "Shanti".

No se ha incluido a Javier Piñango (1962-2025) entre los artistas cuyo trabajo se presenta en este programa debido a que la emisión de Ars Sonora del 25 de abril de 2026 —basada en la sesión del ciclo "Relatos del ruido" que se dedicó a este autor el pasado mes de noviembre— estará enteramente consagrada a su música.

En la última edición de Ars Sonora del año 2025 clausuramos el cuadragésimo aniversario del programa y el sexagésimo de Radio Clásica con la audición íntegra de "Le Livre des Morts égyptien", del compositor parisino Pierre Henry (1927-2017). El contexto de emisión (ese "umbral" entre el final de un ciclo y el comienzo de otro) enlaza con el propio discurso de la obra, entendida como tránsito o como pasaje, pues se articula a partir de un texto funerario cuya función original era acompañar al difunto en un itinerario de prueba, juicio y transformación.

Inspirada en el llamado "Libro egipcio de los muertos" (nombre moderno de un corpus de fórmulas mágicas y sortilegios que guían el viaje por la Duat y la llegada a Aaru, bajo el horizonte del juicio de Osiris), la obra propone un ritual acusmático construido desde un "complejo de sonidos" de origen pianístico: ataques, resonancias, glissandi y trémolos sometidos a multiplicaciones, desfases y estratificaciones. El propio Pierre Henry explica que su propósito no es ilustrar el texto mediante palabras o invocaciones, sino inventar un "texto sonoro" sin lenguaje verbal, abstracto, nacido del piano como unidad de trabajo. De ese material inicial, convertido en una base de muestreos microscópicos con parámetros variables, deriva una sintaxis de expansiones, deslizamientos y elongaciones que hace de la repetición un motor de metamorfosis: un mismo sonido que se aproxima y se aleja, que se duplica y se desplaza, hasta generar una polifonía de planos y perspectivas.

Esta lógica de laboratorio no desemboca, sin embargo, en una pieza "analítica" en sentido frío, sino en una escenografía con arquitectura propia: arriba y abajo, profundidad, estratos, distancias. Henry insiste en la idea de duración como lectura mental (una temporalidad "intemporal" hecha de continuidades y de silencios), y distingue esta obra de su aproximación anterior al "Libro tibetano de los muertos" ("Le voyage", 1962-63), que nosotros ya presentamos en otra edición navideña de Ars Sonora, y donde la música se ve absorbida por las manifestaciones de la "clara luz". Aquí, en cambio, Henry ha buscado una música "de la muerte y de la vida", un teatro cotidiano de tensiones y distensiones, de fulguraciones y fracturas, que termina por configurar un "piano espacial" sin tregua, como eje del ritual.

Encargo del IRCAM con el apoyo de la Fondation Louis Vuitton, la obra que presentamos se terminó de componer en 1988 y se estrenó el 19 de marzo de 1990 en el Auditorio del Museo del Louvre; su arquitectura se organiza en siete capítulos y veinte secuencias, de "Navigation" a "Affirmation". La producción se realizó en el IRCAM, con Denis Lorrain como responsable técnico, y se inscribe en la práctica acusmática característica de Henry: una obra fijada en soporte, donde el "instrumento" ya no es el piano en sí, sino la memoria de sus gestos.

Culminamos nuestro doble monográfico dedicado a la Fundación ACA (Àrea Creació Acústica), con sede en Búger, en el centro de la isla de Mallorca. Concebida en 1978 por el compositor Antoni Caimari Alomar (1943-2021) como "un vehículo para proteger, desarrollar y coordinar la cultura contemporánea musical de Mallorca con el resto de España y dentro de la Unión Europea", la Fundación ACA continúa desempeñando una fundamental tarea de producción y difusión de las músicas experimentales, tal y como comprobamos a través de un diálogo con Miquel Àngel Tortell —miembro del patronato de la fundación y Txema González de Lozoyo —artista sonoro, investigador y colaborador con la institución de manera regular, especialmente en lo que se refiere a la catalogación y digitalización de su archivo sonoro—.

Registramos esta conversación en la ya mítica "Sala del Piano" de la fundación, un espacio caracterizado por su piano Bösendorfer Imperial que no solamente sirve como auditorio y estudio de grabación, sino que alberga numerosos documentos fonográficos y bibliográficos que reflejan la evolución de este proyecto, y que complementan los archivos actualmente custodiados en el espacio de Can Cirera Prim de sa Pobla.

Después de escuchar un nuevo fragmento de la música de Antoni Caimari ("Cinc petites peces per a piano" —el programa concluirá con varios extractos de su "Música blanca"—), continuamos explorando algunas de las propuestas presentadas a través del Encontre Internacional de Compositors que la fundación viene organizando de manera ininterrumpida desde 1980, y que ha contado con directores artísticos como Claudio Zulian, Matias Far, Jordi Alomar y Jean-Pierre Dupuy, entre otros. En primer lugar nos centramos en una pieza propuesta por Txema González de Lozoyo para su estreno en la última edición del encuentro, "Molí" —un trabajo fonográfico procedente del proyecto "Defensa Interior", recientemente publicado en una cuidada edición de artista que fue presentada en Es Baluard, Museo de Arte Contemporáneo de Palma—.

Como muestra de la enorme variedad estética de los trabajos presentados en estos ya longevos encuentros, escuchamos algunos fragmentos de los "Sueños Ecléctricos" compuestos por Claudio Zulian en 1988, así como "El poeta" (2013), para dos saxofones altos (segunda parte del ciclo "Paraíso") de Matias Far —quien dirige, en el contexto de la Fundación ACA, y dentro de los encuentros, un taller internacional de composición (una iniciativa de carácter pedagógico que recorre y acompaña todo el proceso creativo de los participantes, desde la concepción de la obra hasta su estreno)—. Por otra parte, la pieza para piano "Balalàia", de Josep Maria Mestres Quadreny —otro autor estrechamente vinculado con la Fundación ACA— nos llega a través de la interpretación al piano de Jean-Pierre Dupuy, actual director artístico del Encontre Internacional de Compositors.

Miquel Àngel Tortell explica, por otro lado, cómo en la nueva etapa de la fundación se está prestando una especial atención al ingente archivo sonoro acumulado durante las más de cuatro décadas en las que este proyecto se ha venido desarrollando. Su ordenación, digitalización y puesta a disposición del público es actualmente una de las prioridades para el equipo directivo de ACA. Tal y como nos comenta Txema González de Lozoyo, en ese afán cuentan con el apoyo de figuras como Mikel Acosta y Guy-Marc Hinant (responsables, respectivamente, de los sellos discográficos Hegoa Diskak —Londres— y Sub Rosa —Bruselas—).

Repasamos también la importante labor de la fundación en el ámbito de la creación poética, así como su programa de residencias para artistas e investigadores, y otros ámbitos hacia los que ACA proyecta sus actividades, como la música para órgano. Presentamos, como muestra de ello, varios fragmentos de las interpretaciones realizadas por Rafael Riera en el instrumento de la Basílica de Sant Francesc de Palma de Mallorca dentro de XLV Encontre de Compositors.

La entrevista confirma, nuevamente, que trazar la evolución de este proyecto —la Fundación ACA— permite reconstruir buena parte de la historia de las músicas experimentales no ya, por supuesto, en el contexto balear, sino también dentro del panorama general de la cultura española, bien sea a través de las muy numerosas ediciones discográficas impulsadas desde la fundación (especialmente a través del ya mítico sello Unió Músics), bien a través de su atractivo programa de residencias artísticas, bien mediante la plataforma representada por el Encontre Internacional de Compositors.

Iniciamos aquí un doble monográfico dedicado a la Fundación ACA (Àrea Creació Acústica), con sede en Búger, en el centro de la isla de Mallorca. Concebida en 1978 por el compositor Antoni Caimari Alomar (1943-2021) como "un vehículo para proteger, desarrollar y coordinar la cultura contemporánea musical de Mallorca con el resto de España y dentro de la Unión Europea", la Fundación ACA continúa desarrollando una fundamental labor de producción y difusión de las músicas experimentales, tal y como comprobamos a través de un diálogo con Miquel Àngel Tortell —miembro del patronato de la fundación— y Txema González de Lozoyo —artista sonoro e investigador que colabora de manera regular con la institución, especialmente en lo que se refiere a la catalogación y digitalización de su archivo sonoro—.

Registramos esta conversación en la ya legendaria “Sala del Piano” de la fundación, un espacio caracterizado por su piano Bösendorfer Imperial que no solamente sirve como auditorio y estudio de grabación, sino que además alberga numerosos documentos fonográficos y bibliográficos que reflejan la evolución de este proyecto y que complementan los archivos actualmente custodiados en el espacio de Can Cirera Prim de sa Pobla.

Recorremos los orígenes y la genealogía de este proyecto visionario, tan entroncado con la singular personalidad de su fundador, Antoni Caimari. También esbozamos el perfil de otros compositores estrechamente vinculados a la fundación, como Xavier Carbonell (1952-2022), Llorenç Barber (1948) o Eduardo Polonio (1941-2024). La presencia de la naturaleza, fundamental en el propio concepto de la institución no solo desde una perspectiva meramente paisajística, también se adelantó a muchas otras propuestas más recientes que vinculan la creación artística y la ecología. Algo similar puede afirmarse de la gastronomía, que —como se revela a través de este diálogo— igualmente ha desempeñado un papel muy destacado en la Fundación ACA ya desde sus inicios. Por otra parte, la vinculación de la experimentación musical de vanguardia con el estudio y la apreciación de las músicas populares y el folclore es otro de los elementos que han marcado la evolución de esta iniciativa, tal y como comprobamos a través de diversas audiciones.

La entrevista confirma que trazar la evolución de este proyecto permite reconstruir buena parte de la historia de las músicas experimentales no ya, por supuesto, en el contexto balear, sino también dentro del panorama general de la cultura española, bien sea a través de las muy numerosas ediciones discográficas impulsadas desde la fundación (especialmente a través del mítico sello Unió Músics), bien a través de su atractivo programa de residencias artísticas, bien mediante la plataforma representada por el Encontre Internacional de Compositors, que se viene celebrando de manera ininterrumpida desde 1980, y que ha contado con directores artísticos como Claudio Zulian, Matias Far, Jordi Alomar y Jean-Pierre Dupuy, entre otros.

Todos estos temas se entrelazan con la escucha de trabajos de Antoni Caimari ("Entorn poètic" —procedente de "Gàbies"—, "Viatge a Albopàs"), Xavier Carbonell ("El munt d'ulleres", "Badall de Sargantana"), Llorenç Barber ("Manjar"), Eduardo Polonio ("Acaricia la mañana"), y varias muestras del registro fonográfico de la "Trobada de Xeremiers a Sa Pobla", así como de las "Tonades de feina i cançons de ximbomba" interpretadas por Madò Antònia Buades (que se grabaron en la Fundación ACA en 1985, lo que ya constituye un hito histórico). Concluimos con la audición de otra voz excepcional, la de Fátima Miranda, con un extracto de "La voz cantante" (que forma parte del disco "Las voces de la voz", editado por la propia fundación a través de su plataforma discográfica Unió Músics) y un último recuerdo de la música de Antoni Caimari ("Nocturnals").

Presentamos la segunda edición del proyecto "Dos lugares, dos escuchas", una iniciativa relacionada con la práctica del paisaje sonoro que aspira a establecer puentes entre la creación sonora experimental y el coleccionismo de arte contemporáneo, al tiempo que pone en valor el patrimonio natural e histórico del contexto rural.

Esta segunda edición de "Dos lugares, dos escuchas" ha estado protagonizada por la artista valenciana Laura Romero Valldecabres y la estadounidense (residente en Barcelona) Barbara Held. Ambas creadoras disfrutaron, entre los meses de mayo y junio de 2025, de sendas residencias de creación artística en la sede de la Fundación Campocerrado, en el entorno de Ciudad Rodrigo (Salamanca). A partir de las particularidades acústicas (pero también ecológicas, históricas, sociales, etc.) de la dehesa salmantina elaboraron dos composiciones que hoy presentamos en su estreno radiofónico.

"Un pulso sobre la tierra" es el título de la pieza sonora desarrollada por Laura Romero tras su estancia en Campocerrado. En ella, la artista intenta "conectar con ese paisaje, con los ecos de ese paisaje, con el pasado, con las múltiples capas que encontramos en un paisaje a lo largo de los años y las décadas […]", según sus propias palabras. En este ejercicio de memoria acústica desempeña un papel fundamental el trabajo de la también artista sonora e investigadora Susana Jiménez Carmona, que fue invitada a Campocerrado en la primera edición de este proyecto, y desarrolló allí su composición "Cascabullos", tan solo unos meses antes de su prematuro fallecimiento. Laura Romero recuerda a Jiménez Carmona, citando la obra mencionada, en el inicio de "Un pulso sobre la tierra".

Barbara Held, por su parte, nos propone la pieza "Imagen sonora de Siega Verde”" que ella misma presenta así: “Una exploración de las singulares condiciones acústicas de Siega Verde, yacimiento de arte rupestre paleolítico al aire libre ubicado dentro la dehesa salmantina. Las figuras zoomórficas allí representadas nos conectan con una visión del mundo que subraya la relación entre los seres humanos y los demás animales, un vínculo que sigue siendo parte esencial de esta tierra”.

Durante sus respectivas estancias en Ciudad Rodrigo, Romero y Held estuvieron acompañadas y orientadas por los principales responsables de la Fundación Campocerrado, Borja Fernández-Cobaleda y Luis Gea. Sus declaraciones para esta edición de Ars Sonora nos permiten adentrarnos en los procesos artísticos que condujeron a la composición de estas dos nuevas obras, así como en las atractivas peculiaridades del entorno rural salmantino para cualquier artista sonoro interesado en explorar las relaciones entre esos excepcionales lugares y las escuchas que, esperamos, continuarán sugiriendo en próximas ediciones de este proyecto.

Continuamos nuestra celebración del sesenta aniversario de Radio Clásica escuchando un conjunto de composiciones musicales fechadas alrededor de 1965.

El 22 de noviembre de ese año, es decir, hace seis décadas, iniciaba su andadura la emisora que hoy conocemos como Radio Clásica. ¿Qué músicas se estaban creando en ese momento histórico? ¿Qué se estaba componiendo, qué obras sonoras se estrenaron en 1965? Ars Sonora, en su continua exploración de las músicas más radicales y los sonidos más desafiantes de los siglos XX y XXI, recorre en esta emisión —siguiendo la estela del programa emitido la semana pasada, como primera parte de este doble monográfico— un conjunto de piezas procedentes de diferentes lugares del mundo que refleja las corrientes estéticas que definían el panorama de las músicas experimentales y el arte sonoro en torno al año 1965, al tiempo que nos preguntamos acerca de la situación en nuestro país durante ese momento histórico.

Escuchamos, en esta segunda parte de nuestro viaje en el tiempo y en el espacio, "Bye Bye Butterfly" (1965), un trabajo de la compositora estadounidense Pauline Oliveros en el que nos ofrece su particular relectura de "Madama Butterfly", la ópera de Giacomo Puccini estrenada en 1904. Seguidamente presentamos "It's Gonna Rain" (1965), primer trabajo de gran entidad del también estadounidense Steve Reich. También ofrecemos una selección de piezas electrónicas realizadas, respectivamente, por las compositoras británicas Maddalena Fagandini, Delia Derbyshire y Daphne Oram. Todas ellas desarrollaron su labor compositiva, desde el comienzo de los años sesenta del pasado siglo, en el taller de arte radiofónico de la BBC (BBC Radiophonic Workshop). Estas audiciones nos permiten reflexionar acerca del papel que desempeñaba la mujer (en el plano cultural, social, político, jurídico, doméstico...) dentro del contexto español de esos mismos años sesenta.

Concluimos esta emisión —y, por tanto, esta celebración del sesenta aniversario de Radio Clásica— con la audición de "Lament for the Death of a Bullfighter" (1959), una obra compuesta unos años antes de ese 1965 que nos ha servido como eje en este programa y en el anterior, pero que resulta pertinente aquí, entre otras razones, porque esta pieza toma como punto de partida el poema de Federico García Lorca "Llanto por Ignacio Sánchez Mejías" publicado hace ahora no sesenta, sino noventa años, es decir, en 1935. Esta composición de Roberto Gerhard, escrita para recitador y cinta magnética, nos invita a pensar en todos y todas las artistas que, como Gerhard (que vivió entre 1896 y 1970), hubieron de exiliarse tras la sublevación militar de 1936, lo que sin duda mermó el panorama artístico y cultural —y todas las demás esferas de la vida pública española— propio del año 1965, es decir, del momento en el que nacía la emisora que hoy —en una España muy diferente a la de aquel año, afortunadamente para todos— nos permite presentar y comentar todas estas composiciones.

En esta edición de Ars Sonora, emitida en las primeras horas del día en que celebramos el sesenta aniversario de Radio Clásica, escuchamos un conjunto de composiciones musicales fechadas, precisamente, en el año 1965.

El 22 de noviembre de aquel año, es decir, exactamente hace seis décadas, iniciaba su andadura la emisora que hoy conocemos como Radio Clásica. ¿Qué músicas se estaban creando en ese momento histórico? ¿Qué se estaba componiendo, qué obras sonoras se estrenaron en 1965? Ars Sonora, en su continua exploración de las músicas más radicales y los sonidos más desafiantes de los siglos XX y XXI, recorre en esta emisión -así como en la de la semana que viene, en la segunda parte de este doble monográfico- un conjunto de piezas procedentes de diferentes lugares del mundo (Europa, América, Asia…) que refleja las corrientes estéticas que definían el panorama de las músicas experimentales y el arte sonoro en el año 1965, al tiempo que se pregunta acerca de la situación en nuestro país durante ese momento histórico.

Escuchamos, en esta primera parte de nuestro viaje en el tiempo y en el espacio, la "Sequenza III" (1965), una obra de Luciano Berio compuesta para la voz de Cathy Berberian (esta audición nos permite celebrar, también, los respectivos centenarios de estos dos artistas, Berio y Berberian, ya que ambos nacieron en 1925). También presentamos "Scenario" (1965), la única pieza dentro del amplio catálogo del compositor alemán Helmut Lachenmann creada para cinta magnética —también nos sirve, esta escucha, para celebrar otro aniversario, pues Lachenmann alcanzará sus noventa años en unos pocos días, concretamente el 27 de noviembre—. El italiano Luigi Nono, maestro de composición de Lachenmann, es el siguiente protagonista de nuestro espacio, pues en 1965 recibió del director y productor teatral alemán Erwin Piscator una esperada oferta de colaboración. El proyecto consistía en la representación de una nueva obra de Peter Weiss, "Die Ermittlung" ("La investigación"), una pieza de teatro documental basada en un texto que condensaba las declaraciones de los testigos de los juicios de Auschwitz celebrados en Fráncfort entre diciembre de 1963 y agosto de, precisamente, 1965.

Tras una presentación de varios fragmentos de las músicas realizadas por Nono para esta obra de teatro, concluimos la primera parte de este doble monográfico con una pieza de Maki Ishii —compositor nacido en Tokio en 1936 y fallecido en 2003—. Su composición "Hamon" (término japonés que se traduce literalmente como “ondulación sobre el agua”) está escrita para conjunto de cámara, violín solista y cinta magnetofónica compuesta, y nos ofrece otra perspectiva acerca de las músicas que, desde distintos rincones del mundo y muy diferentes sensibilidades, fueron imaginadas en un mismo año, 1965, al mismo tiempo que nacía la emisora que hoy —en una España muy diferente a la de aquel año, afortunadamente para todos— nos permite presentar y comentar todas estas composiciones.

En esta segunda parte del doble monográfico dedicado a Pedro Trotz —Pere Amengual, nacido en Palma de Mallorca en 1969— continuamos explorando la singular trayectoria de este artista a través de otro diálogo registrado en los estudios UBIK de Palma —y propiciado por el también artista e investigador Txema González de Lozoyo, a quien extendemos nuestro agradecimiento—. Este programa revela —de nuevo— cómo la geografía insular, lejos de ser un impedimento, puede convertirse en un catalizador de descubrimientos y colaboraciones (también en un plano internacional) y profundiza, así, en la filosofía creativa que sostiene la obra de Trotz, en sus contactos con artistas y músicas muy relevantes en el desarrollo de su poética, y finalmente en su investigación doctoral sobre el legado transformador de Rob Hordijk.

El variadísimo conjunto de audiciones que jalonan esta conversación recorre un arco estético que, como en la primera parte de este monográfico, conjuga la curiosidad tecnológica, una igualmente irrefrenable pasión por la música y la fertilidad inesperada de los más impredecibles encuentros —físicos y sonoros—. Ese extenso arco comienza, en esta ocasión, con la colaboración entre Anthrax & Public Enemy ("Bring The Noise") y la música de Kraftwerk ("Home Computer" y "Autobahn"), antes de incluir algunos trabajos del propio Pedro Trotz (procedentes del disco de Trotz "Psicopomp", publicado en 2023, así como las piezas aún inéditas "Fun Fun Fun at the Funeral" y "Miedo a la Eucaristía"). También escuchamos, fragmentariamente, obras de Esplendor Geométrico ("Muerte a escala industrial"), de Nicolás Arianoutsos —también conocido como Resonic— (un fragmento de su "Untitled Live at Radar"), 23 Skidoo ("Fuck You GI"), Alva Noto ("HYbr:ID Ectopia Field 1"), Autechre ("Simmm"), Pauline Oliveros ("Once Again / Buchla Piece 1966"), Wendy Carlos ("The Shining: Main Title" y "Switched on Bach") y Richard Scott ("Strkng", que forma parte de sus "Eight Studies for Copulating Blippoo Boxes").

El programa concluye con la descripción de la Blippoo Box, un dispositivo inspirado por las teorías y experiencias de Hordijk en torno a los lazos de realimentación no lineales (canalizados a través de modulaciones recíprocas de frecuencia entre dos osciladores), que en última instancia han dado lugar a un instrumento musical aparentemente sencillo, pero con un enorme rango de expresión. El propio Rob Hordik describió la Blippoo Box como "bent by design", en alusión a la práctica del "circuit bending" (es decir, la modificación más o menos artesanal de un circuito sonoro, a menudo procedente de un juguete musical, con objeto de "jaquearlo" para que produzca otros resultados acústicos imprevistos). En este sentido, la arquitectura misma del dispositivo ideado por Hordijk está diseñada para albergar los principios propios de los sistemas caóticos —tal y como los describe la física teórica—, invitando al usuario a desarrollar su capacidad de escucha y de improvisación. Así se manifiesta, de hecho, en la pieza para Blippoo Box creada e interpretada por Pedro Trotz expresamente para esta edición de Ars Sonora con la que concluye este doble monográfico dedicado al artista palmesano.

Presentamos, en esta primera parte de un doble monográfico dedicado a Pedro Trotz —nombre artístico de Pere Amengual, nacido en Palma de Mallorca en 1969—, la singular trayectoria de un artista cuya vida encarna los derroteros inicialmente improbables, pero fascinantes, que puede tomar la experimentación sonora cuando se conjugan la curiosidad tecnológica, la pasión por la música, y la fertilidad inesperada de los más impredecibles encuentros. Grabado en los estudios UBIK de Palma, este programa recoge un diálogo —propiciado por el también artista e investigador Txema González de Lozoyo, a quien extendemos nuestro agradecimiento— que, entre otras cosas, revela cómo la geografía insular, lejos de ser un impedimento, puede convertirse en un catalizador de descubrimientos y colaboraciones (también en un plano internacional).

Esta conversación con Pedro Trotz parte de sus primeros contactos con la música electrónica, en los cuales la radio desempeñó un importante papel. Recordamos también sus experiencias tempranas en el montaje de artefactos sonoros de carácter electrónico, que antecedieron al acceso al primer sintetizador. Durante los años ochenta, en el contexto de Palma (y, recordemos, antes del desarrollo de internet), Trotz se inició en la síntesis sonora de manera autodidacta, hasta descubrir —a través de la radio, nuevamente— que existía una comunidad invisible de experimentadores sonoros distribuida en los lugares más insospechados.

Trotz nos relata, en este diálogo, cómo después —ya en la última década del pasado siglo— consiguió establecer fértiles conexiones con algunos miembros de esa comunidad: siendo coeditor del fanzine "La parturienta" (proyecto editorial extremadamente ecléctico, en cuyas páginas se entremezclaban artistas como Nick Cave, Jim Jarmusch, Prodigy o Asmus Tietchens, por ejemplo), Trotz establece contacto con Arturo Lanz, de Esplendor Geométrico, quien casualmente estaba destinado profesionalmente en Mallorca. Esta colaboración se convierte en el germen de una red que consolidará su papel como “evangelizador de la cultura y el estilo de vida electrónico" en el contexto balear.

Otro encuentro fundamental en este recorrido llega con Rob Hordijk, diseñador holandés de sintetizadores de formación heterogénea (joyero, programador, ingeniero electrónico…) que desarrolló lo que tanto él como Trotz denominan la "East Dutch Coast", una escuela holandesa de diseño de sintetizadores que combina elementos procedentes de las tradiciones estadounidenses representadas, respectivamente, por Buchla (costa oeste californiana) y Moog (costa este neoyorquina). La relación entre Trotz y Hordijk se intensificó a través de la celebración de importantes encuentros internacionales dedicados a la luthería digital, y aún más cuando el holandés se trasladó a Mallorca. Tras el fallecimiento de Hordijk en 2022, Trotz decide emprender una investigación doctoral sobre su legado, proyecto que motiva su reciente traslado a Madrid, y con el que busca colmar una notable laguna en el campo de la organología, dentro del cual los electrófonos han sido históricamente marginados.

A lo largo de esta primera emisión dedicada a Pedro Trotz escuchamos diversas referencias musicales que ilustran su particular recorrido artístico y vital: algunos extractos de su ya muy extensa "Serie alfabética" (cuyo autor describe como "estudios sobre las posibilidades sonoras que surgen de la fusión de medios físicos y virtuales para la producción de sonido"), un fragmento de la pieza de Asmus Tietchens "Falter-Lamento" (procedente del disco "Nachtstücke", de 2017), la composición titulada "Azrael" (que forma parte del disco de Trotz "Psicopomp", publicado en 2023), la pieza de Víctor Nubla "Otro paseo espacial" (incluida en su "Integral para MS20 (82-86)", así como un extracto de "Bring The Noise" (composición surgida de la colaboración entre los grupos Anthrax y Public Enemy).