Pour ce dernier épisode de la saison — et le tout dernier épisode de Vision —, j’ai le plaisir de recevoir un photographe dont le travail éveille ma curiosité depuis longtemps : Olivier Kervern.

Nous enregistrons dans son appartement du 20ᵉ arrondissement de Paris, juste avant son déménagement. Les meubles ont disparu. L’écho est présent, on fait avec. Sur la table, un Yashica moyen format. Autour, des boîtes entassées de pellicules Kodak noir et blanc.

Olivier pratique une photographie que je qualifierais de déambulatoire, entre voyage, documentaire et mode. Lui parle d’une photographie sans hiérarchie, sans sujet « plus important » qu’un autre. Cette rencontre me fait du bien. J’y pensais depuis quelques semaines : aujourd’hui, beaucoup de photographes cherchent à tout prix à exister dans une niche précise, notamment en photographie de mode. Olivier, lui, n’a jamais vraiment décidé de « faire de la mode ». Holiday Magazine, Jil Sander ou d’autres collaborations sont arrivées par hasard, par des rencontres et surtout grâce à son talent, à ses livres et à ses projets. Il ne se trahit pas. Il ne cherche pas à se fabriquer une personnalité. Olivier reste lui-même, malgré les enjeux.

Le son de ce podcast n’est pas parfait et, en même temps, il correspond assez bien à la personnalité d’Olivier, qu’il assume pleinement. Il est un peu bordélique, pas toujours très précautionneux, notamment avec son matériel. Mais derrière cette apparente nonchalance, on perçoit une véritable sensibilité, une douceur presque fragile. L’essentiel est là.

Je voulais vous remercier sincèrement pour votre soutien et votre écoute attentive tout au long de ces années. Et je vous dis à très bientôt.

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Un podcast réalisé et écrit par Aliocha Boi, produit par Noyau.studio, monté et mixé par Virgile Loiseau et mis en musique par Charlie Janiaut.

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Il y a des images qu’on croit comprendre immédiatement. Elles semblent simples, presque évidentes. Et puis, lorsqu’on s’y attarde vraiment, elles se mettent à changer. Elles glissent, elles se déplient. Elles révèlent une profondeur discrète, une ambiguïté douce, une complexité qui ne cherchait pas à se montrer.

Les photographies de Thomas Boivin ont précisément ce pouvoir-là. Elles ne s’imposent pas, elles s’installent. Elles se regardent lentement, à plusieurs reprises, en y découvrant chaque fois une nouvelle nuance.

Thomas est un portraitiste qui regarde sa ville en partant de celles et ceux qui l’habitent. De Belleville à Ménilmontant, jusqu’à la place de la République, ses livres composent un Paris intime, un Paris qui ne se donne pas frontalement mais qui se laisse approcher, frôler, apprivoiser.

Ce qui frappe dans son travail, c’est cette manière d’habiter ses sujets. Tout semble né d’une patience profonde, d’un rapport au temps long, de cette lumière précise que lui offre la chambre grand format qu’il utilise assez souvent. On sent une attention rare, presque silencieuse, qui traverse ses images.

Et puis il y a Thomas lui-même : une voix douce, posée, un regard exigeant mais sans dureté. Il s’exprime comme il photographie, avec prudence, avec mesure, comme si chaque mot devait respecter la personne ou le lieu dont il parle. Passer un moment avec lui a quelque chose d’apaisant, presque méditatif. J’espère que cet épisode vous plaira également. Bonne écoute.

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Au moment d’enregistrer cet épisode, rien ne s’est passé comme prévu : j’avais perdu tout mon matériel. Absolument tout. David Luraschi, mon invité, et moi nous sommes donc retrouvés un peu paniqués à chercher une solution pendant plus d’une heure, peut-être une heure et demie.  Cette recherche improvisée s’est finalement transformée en un moment de partage, d’humour et de découverte mutuelle. David s’est montré d’une patience rare, d’une grande bienveillance et d’un humour désarmant face à la situation.

Nous avons fini par trouver un micro et avons pu enregistrer ce podcast, dans des conditions simples mais très sincères. Et d’une certaine façon, cela raconte déjà beaucoup de lui : un photographe et artiste franco-américain qui aborde son travail avec autant de légèreté que de profondeur.

Nourri par certaines références cinématographiques, David Luraschi développe une œuvre à la frontière du documentaire et de la fiction. Il compose des images où le quotidien devient récit, où la mise en scène se mêle à la réalité. On connaît aussi son travail de photographie de mode , notamment aux côtés de Jacquemus, où son regard singulier et poétique trouve une autre forme d’expression.

Cet épisode, né d’un léger chaos et d’une belle complicité, reflète parfaitement son univers : drôle, ludique et profondément humain.

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On ne présente plus Cédric Jimenez. Voilà plus de 10 ans que le réalisateur, né à Marseille, propose un cinéma âpre, nerveux et efficace. La French, Bac Nord et Novembre, tous inspirés de faits réels, ont plongé les spectateurs dans les méandres d’un trafic de drogue, le quotidien controversé de flics de la bac, et l’enquête qui a suivi les attentats du 13 novembre 2015.

Et il revient en cette fin d’année avec Chien 51, l’adaptation du roman de Laurent Gaudé, dessinant un Paris dystopique. C’était donc l'occasion idéale de faire un point avec lui sur son parcours et de s’intéresser aux coulisses de son cinéma.

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Lucile Hadžihalilović. Ce nom ne vous dit peut-être rien, et pourtant, voilà plus de trente ans qu’elle explore les multiples facettes du cinéma français. Collaboratrice de longue date de Gaspar Noé, elle a contribué à plusieurs de ses films — au scénario d’Enter the Void, à la production de Lux Æterna, ou encore au montage de Seul contre tous. Mais c’est surtout derrière la caméra qu’elle impose sa singularité : un cinéma visuel et envoûtant, où l’onirisme se mêle à l’étrange. Des œuvres comme Innocence, Évolution ou Earwig en témoignent.

À l’occasion de la sortie en salles de son quatrième long métrage, La Tour de Glace, nous avons tenté de percer son mystère et de comprendre ce qui façonne son univers si particulier.

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Dans cet épisode, Romy Alizée revient sur son approche instinctive et intime de la photographie, où la prise de risque et la transgression des limites nourrissent son travail artistique.

Voici un extrait du dernier podcast de Vision(s), vous pouvez l’écouter sur toutes les plateformes audio et sur notre site visions.photo !

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Dans cet épisode, nous ouvrons un territoire rarement abordé ici : le nu, l’intime, l’érotique. Romy Alizée a d’abord posé comme modèle avant de passer derrière l’objectif. Photographe, performeuse et autrice, elle construit aujourd’hui un regard à la fois tendre et frontal sur le corps et le désir.

Son travail explore les représentations du corps, le désir, la censure morale et les imaginaires queers. Nous parlons d’autoportrait et de mise en scène de soi, de fantasmes détournés, d’objets-signes (de la tour Eiffel en plastique à la baguette), de la montagne comme contre-champ de l’érotisme, mais aussi d’influences, de performance, de radio, jusqu’à son livre Des choses que j’imagine, sorti récemment chez Rotolux Press.

Une conversation sur la fabrication d’images, la légitimité quand on est femme et autodidacte, et la force d’un regard qui refuse la suggestion pour mieux interroger nos normes.

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The three fundamental conditions of photography.

Here’s an excerpt from the latest episode of Vision(s). You can listen to it on all audio platforms and on our website visions.photo!

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A podcast written and hosted by Lily Lajeunesse, produced by Noyau.studio, edited and mixed by Virgile Loiseau, with original music by Charlie Janiaut.

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For this new episode, I had the great pleasure to meet Felipe Romero Beltrán, a Colombian documentary photographer born in Bogotá in 1992 and currently based in Paris. Felipe develops long-term projects, focusing on social issues and often triggered by a personal experience. Alongside his visual work, the artist completed a doctorate in photography at Madrid's Complutense University in 2023.

Migration is a central issue in his photography, a highly publicised phenomenon, often for the worse. In Beltrán's work, migration is approached from the point of view of the body and its relationship to law, and more specifically to legal language, which I find particularly interesting and eminently political. Whether between Morocco and Spain or at the border between Mexico and the United States, the body appears in Romero's images as a metaphor for a state of coercion and tension inherent in the experience of exile. I let you discover this highly personal and fascinating documentary approach, at the intersection of photography, both practical and theoretical, performance and collaboration.

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Pour ce nouvel épisode, j'ai eu le grand plaisir de rencontrer Felipe Romero Beltrán, photographe documentaire colombien né à Bogota en 1992 et habitant actuellement à Paris. Felipe développe des projets de long terme, axés sur des questions sociales et souvent déclenchés par une expérience personnelle. Parallèlement à son travail visuel, l'artiste a obtenu un doctorat en photographie à l'université Complutense de Madrid en 2023.

La migration est une question centrale dans sa photographie. Phénomène très médiatisé, souvent pour le pire, elle est abordée dans le travail de Beltrán du point de vue du corps et de sa relation au droit, au langage juridique plus précisément. Un prisme qui me semble particulièrement éclairant et éminemment politique. Que ce soit entre le Maroc et l'Espagne ou à la frontière entre le Mexique et les États-Unis, le corps apparaît dans les images de Romero comme la métaphore d'un état de contrainte et de tension, inhérents à l'expérience de l'exil. Je vous laisse découvrir cette approche documentaire très personnelle et passionnante, à la croisée de la photographie — tant en pratique que d'un point de vue théorique —, la performance et la collaboration.

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De la comédie, du film d’époque et aujourd’hui un film d’action inspiré de faits réels : cela fait maintenant dix ans que Martin Bourboulon n’est jamais là où on l’attend. Le cinéaste français, qu’on connaît pour avoir autant dirigé Laurent Laffite et Marina Foïs dans Papa ou Maman que la fine fleur du cinéma français dans Les Trois Mousquetaires, imprime sa patte dans une variété de genres.

Si je le rencontre aujourd’hui pour en savoir plus sur son parcours, c’est à l’occasion de la sortie de 13 jours 13 nuits. Un film d’action avec Roschdy Zem et Lina Khoudri, qui raconte l’évacuation inespérée de centaines de personnes de l’ambassade de France en août 2021, alors que les Talibans prennent d’assaut Kaboul, au lendemain de l’évacuation des troupes américaines.

Avec Martin, on a évoqué son tout premier rapport à l’image, comment il met en place une grammaire de mise en scène mais aussi sa manière d’envisager le métier énergivore de réalisateur.

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Guillaume Blot nous parle de son besoin de mouvement, de route et de rencontres. Pour lui, documenter la France, c’est aller à la découverte de ceux qui l’habitent, sur les routes nationales, au plus près de nos voisins. Une exploration sensible, ancrée et profondément humaine.

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