Como sucedió con los grandes imperios de la historia, el reinado de los Who comenzó a decaer tras alcanzar su cenit de creatividad e identidad de banda con Quadrophenia. Tras aquello, un lento declinar artístico y personal que dio paso a la asimilación de su legado por las nuevas generaciones. El punk, el rock y la nostalgia, despedazaron la carne y los huesos de un grupo que ya parecía haberlo dicho todo. La banda, exhausta tras diez años ininterrumpidos de éxitos, presiones y peleas, se entregó a su público y a sus competidores, para ser devorados –como al perfumista Grenuille- en un acto de amor verdadero. El mismo final que el propio Pete Townshend predijo en sus proféticas óperas-rock.

Si el rock es el termómetro de las fiebres juveniles, los Who, hicieron saltar el mercurio en pedazos durante la década de los ´70. Derrocharon magnetismo y talento, adelantándose a muchas bandas en originalidad y acierto, y si su primera etapa se caracterizo por la arrogancia mod y los singles generacionales, esta segunda los llevaría directamente a leyendas del rock. Las cuatro personalidades de la banda, tan explosivas como encontradas, hicieron del grupo una sensación en el escenario, siendo Peter Townshend quien desbocara su genio artístico en ampulosas y complejas operas rock de corte mesiánico y autobiográfico. Los Who llegaron a 1969 en una erupción de violencia, ruido y caos. Una homérica masacre de instrumentos y salud que comenzó a consumir a la banda mientras, Peter, neurótico y atrapado en su propia clarividencia, trataba de dejar su propia huella en el mundo.

Últimamente se habla mucho de los iconos musicales; de sus proezas, de su genio o de sus miserias, y entre los más imprescindibles del siglo XX siempre estarán The Who. Un verdadero prodigio musical y una laberíntica odisea personal para sus integrantes, pues cada uno de ellos sería el portador, exclusivo, de un pedazo del mapa sonoro que solo completarían los cuatro unidos. Por otra parte, es bien conocida la querencia natural de este tipo de formaciones volcánicas a la autodestrucción: drogas, borracheras y peleas furibundas, fueron también la seña de identidad de un grupo siempre al límite. La ambición megalómana de su compositor, Peter Townshend, exigió intérpretes fuera de lo común que estuvieran a la altura de su música, y fue la propia Naturaleza quien debió intervenir para asegurar el efecto imperecedero de aquella formación legendaria.

Las políticas económicas de libre mercado promulgadas por Ronald Reagan, y bendecidas por Milton Friedman, a principios de 1980, se consolidaron con un espléndido baño de champan neo-liberal que ha durado treinta años. El último sorbo que quedó en aquella botella, terminó escurriéndose por las gargantas acartonadas de los pocos que quedaron en pie tras la fiesta, y ante la colérica mirada de quienes no habían probado ni gota, pero debieron pagar la cuenta. La música que sonó durante aquel festejo aun ameniza muchos otros, celebrados como la invocación nostálgica del fantasma de una diversión perfecta. El peligroso delirio de los que quieren y no pueden. Los ´80 lo desearon todo, y el despilfarro se generalizó tan irresponsablemente que aun, a día de hoy, es el periodo que más empacho y sonrojo produce de todos. Pese a ello, la década profirió verdaderos ejemplos de sesuda inspiración que serán descubiertos, en Más Allá de Orión, como tesoros que observar desde la mirilla indiscreta que nos ofrece el devenir del tiempo.

Los ´80 fueron un digestivo para el pantagruélico banquete celebrado en los ´70. La enorme resaca provocada por aquellos excesos requirió de medidas drásticas que evitaran nuevos empachos, y el mundo de la música se dejó caer de nuevo en brazos de los congénitos años ´60. La sencillez y la espontaneidad evitarían las vanidades, así como nuevos fenómenos petulantes cargados de arrogancia. Una fabulosa receta que haría funcionar a todos los estilos conocidos a la vez, provocando tanto éxtasis como pánico. Hoy escucharemos algunas de la bandas menos conocidas aunque más acertadas de los años ´80. La fascinación por la metodología de los ´60, el amor por el rock and roll o la psicodelia y el juicioso estandarte de la humildad, se enarbolaron de nuevo sobre la equívoca bandera del histrionismo, marca de la casa.

La Psicodelia es un neologismo formado a partir de dos palabras griegas que se traducen como "alma" y "manifestación". La palabra psicodélico fue inventada por el psicólogo británico Humphry Osmond y su significado es: "el que manifiesta el alma". Este tipo de arte se caracteriza por evocar las vivencias propias de la experiencia psicodélica. La manifestación musical de las alucinaciones provocadas por el consumo de sustancias psicotrópicas que provocan la alteración de la percepción del tiempo, del sentido de la identidad o de la empatía colectiva. A mitad del siglo XX, la psicología, la literatura, el arte y la música se imbuyeron de este estilo para manifestar aquellos sentimientos menos perceptibles del modo más sutil. Tras vivir épocas de abandono, hoy, por fin, estamos preparados para vivir nuevos viajes interestelares a través de los campos de fresa, porque esta es, sin lugar a dudas, una nueva estación de la bruja.

La Psicodelia o la Nueva Psicodelia es uno de los géneros más de moda hoy en día dentro del panorama musical. La evolución ha sido lenta. Se puede decir que la mayor característica de la modernización de este género, que únicamente vio sus días de gloria a finales de los 60-principio de los 70, ha sido la variedad con la que se ha ejecutado, ya sea desde el pop barroco pasando por el rock progresivo, la introspección folk, la experimentación basada en la utilización de sintetizadores o la electrónica más espacial. Un colorido “meltin pot” que inflama la imaginación de muchos jóvenes compositores alucinados con la obra de malditos como Kevin Ayers, Alexander “Skip” Spence o Syd Barret. Durante los ´80, grupos como The Soft Boys o Echo and The Bunnymen, comenzaron a gestar el embrión de lo que sería la actual neo-psicodelia hasta su eclosión a mitad de los años ´90. Un estilo que ha recuperado la escucha activa y el espíritu inclasificable de sonoridad y experimentación de otros tiempos. Hoy repasaremos el psicodélico caleidoscopio musical del siglo XXI.

Las sociedades privadas, los clubes de fútbol, las logias, los círculos exclusivos e incluso las pandillas callejeras, emplean los mismos objetivos: la interestimulación y la retroalimentación de su actitud colectiva. Los usos serán, naturalmente, más o menos sofisticados según sea el caso. A las anteriores colectividades cabe añadir una más: La música. Dado que la coincidencia en el gusto musical –sobre todo cuanto más particular sea el estilo-, más simpatía produce entre las personas. La pasión y su proselitismo, convierten pues a un estilo musical en una religión liderada por las emociones. Una fe movida por correligionarios capaces de cualquier cosa por afianzar a sus ídolos. El mundo de la música se ha basado en la idea de la fe desde sus inicios. En unas ocasiones con falsos Ayatolás del rock and roll, en otras con predicadores charlatanes ávidos de riquezas y, en mucha menor medida, con verdaderos Mesías, sacrificados sin compasión sobre la pira de su propia ingenuidad. Blue Oyster Cult, fue una banda epistolar dentro del mundo del rock and roll: La imaginería épica, el simbolismo, la estética y las ráfagas sónicas, los introdujeron de lleno en el movimiento más litúrgico de todos: el Heavy Metal. La de hoy, es la verdadera historia de aquello que hoy conocemos como grupo de culto.

Las tareas de los productores son muy necesarias en el mundo musical. Podríamos decir que sin ellos nos habríamos perdido a un buen puñado de grandes músicos. En la industria disco el papel del productor juega varios roles entre los que figuran el control de las distintas sesiones de grabación, la construcción de los distintos proyectos que ayuden a dar a conocer un álbum o singles, elegir los temas que compondrán el disco, supervisar las grabaciones, mezcla y masterización, así como la instrucción y guía de los músicos. Podría decirse que un productor es un director de grabaciones musicales. Ocurre en muchos casos, que el propio productor ejerce de compositor o músico, dado que gracias a sus conocimientos y experiencia, es él quien mejor conoce todo el proceso, pudiendo añadir o restar arreglos a la obra original compuesta por el artista. ¿Tendrían, hoy, la misma importancia las canciones de Michael Jackson sin la magistral mano de Quince Jones detrás de ellas o los discos de U2 sin la sutilidad de Brian Eno, el eterno Pet Sounds de los Beach Boys sin la magia de Brian Wilson o la inconfundible maña de Phil Spector cuyo polémico “muro de sonido” impulsó algunas de las piezas más míticas de los años ´60 y ´70. La respuesta es que seguramente no, y por el mismo motivo los Beatles no hubieran sido iguales sin el portentoso George Martin a su lado. Hoy descubriremos cuál fue la verdadera aportación a la música de George Martin tras formar parte de la banda más famosa y admirada de toddo el proceso pudiendo añadir o restar arreglos a la obra original compuesta por el artista.

Vivimos tiempos en los que se ha hecho obsesivo premiar el talento natural de los artistas, y esto pese a que muchas de sus sorprendentes capacidades no son más que el producto de aplicar un millón de horas de trabajo a una actividad que, en el mejor de los casos, proporcionará un sueldo de esclavo. Hacer de la aptitud un costal económico no garantiza que la destreza nos vaya a afectar emocionalmente. Antes se debe aprender a conectar con los demás. Muchos animales son capaces de proezas maravillosas, que ni siquiera son capaces de comprender, y que no le van a cambiar la vida a nadie. Para que el talento sea capaz de hacernos distintos se necesita: sensibilidad e inteligencia emocional. Dos capacidades tan poco remuneradas como incalculablemente valiosas. Kenny Rankin: guitarrista, cantante y compositor de Los Angeles, fue uno de esos artistas. Su forma de tocar y cantar era puramente emocional y la experiencia de escucharle crea momentos tan mágicos que se vuelve imprescindible. Su historia es la de un músico olvidado bajo el yugo de la comercialidad que, sin embargo, nos regaló la virtud de la naturalidad y el encanto.

Durante la Antigüedad, griegos y romanos consideraron el suicidio como un acto injusto que se castigaba con el olvido y la privación de sepultura. Los dioses prohibieron a los humanos desprenderse voluntariamente del regalo que era la vida sin su consentimiento, pero con el tiempo, la idea del "bien morir", (eu thanatos), fue desarrollándose como un “summun bonum”, es decir, un alivio que evitara una vida calamitosa. La infame visión de un Prometeo desahuciado por los dioses, y condenado a vivir sufriendo eternamente, aterraba a los seres humanos. Hasta el filósofo Sófocles se pronunció a este respecto diciendo que “No era de buen médico entonar conjuros a una herida que ya reclama amputación”. Nuestro músico de esta tarde prefirió el “summum bonum” a verse sometido por una horrible enfermedad. Un hombre de vitalidad hercúlea, un visionario que acercó la música clásica al rock con la energía y el acierto de un pionero. Un pianista único que fue capaz de lo mejor y de lo peor.